Atentamente un Fresa

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Obra: “EL ALEBRIJE MAS VIEJO DE TODOS”

Una obra inspirada en un cuento infantil que relata que cuando un alebrije muere, debe ser un momento de alegría ya que su cuerpo se convierte en una flor llena de colores que permiten que el campo luzca hermoso por todas esas hermosas flores que en algún momento fueron los más grandiosos alebrijes.

Acerca del Artista: Atentamente una fresa es una artista urbana, nacida en la Ciudad de México, con una licenciatura en diseño industrial y estudios especializados en escultura, animación, interiorismo y pintura. Dedicada al arte urbano, la artista representa en un surrealismo pop mensajes de introspectiva, progreso, educación y valores universales, cree en el arte urbano como elemento fundamental para incluir a la sociedad en el arte y sacar de las galerías y los museos las experiencias estéticas para incluir a todas las personas y aportar un bien común estético y así levantar la cultura social.

Axolotl Collective

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Obra: “LAS EDADES DE LA VIDA”

Nuestra intervención es un recorrido visual de las edades del ser humano, insertando en cada representación reflexiones sobre las costumbres y cultura de los pueblos indígenas. Inicia con la infancia: un niño toca su flautín en medio de flores, representando con ello la algarabía propia de esta etapa de la vida. Del otro lado se encuentra la serena y reflexiva etapa de la vejez, representada por la austeridad de una anciana que coge con una mano a una mariposa brillante. Las mariposas eran en el pensamiento prehispánico un símbolo de las almas que visitaban a los vivos. Entre las dos edades se encuentra el rostro trifásico, representación recurrente en el arte mesoamericano, que es una clara referencia a las edades de la vida. La intervención culmina en una máscara de mosaicos llena de color representando la herencia trascendental que debe de vivir para las futuras generaciones.

Acerca del Artista: Axolotl es un colectivo nacido en 2012. Su actividad se ha enfocado en las intervenciones urbanas y en el arte mural. Su estilo se define por la presencia de personajes que conjugan un tratamiento realista con elementos más gráficos, propios del manga japonés y que portan elementos de las culturas originarias de México. Sus composiciones se conciben como un mundo onírico y de atmósfera colorida. Su estética trata de dialogar, a través de su imaginario, con los lugares donde se realiza.

Bili Bala

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Obra: “MUERTE PSICODÉLICA”

La muerte es una característica de la vida que nos une a todos. No importa quienes seamos, a que raza y especie pertenezcamos, de dónde venimos o que hagamos hecho; todos vamos a morir. En México entendemos que la muerte es algo natural; la respetamos y honramos disfrutando cada instante en el que estamos vivos. Entendemos que hay que vivir sin miedo a morir celebrando la vida con alegría y entusiasmo. Hay veces que se muere en vida; cuando perdemos nuestra inspiración, la motivación, el amor y la pasión, y nos entierran hasta muchos años después. ¡Celebremos la hermosa oportunidad que tenemos al tener este cuerpo en este momento!

Acerca del Artista: El propósito del arte que produce es ayudar a cambiar el paradigma que inunda a nuestra sociedad; la banalidad, la inconsciencia, la individualidad y el egoísmo. Hemos olvidado lo que de verdad importa y estamos ciegos dentro de una batalla por el poder y la avaricia. Recordemos que hay un camino hacia una realidad que nos permite formar un criterio propio para evolucionar nuestra conciencia mediante el respeto mutuo, la empatía, la unión, el amor y la compresión porque sólo cambiando nosotros mismos podremos cambiar el mundo catastrófico en donde ahora convivimos. El arte, la belleza y la apreciación de nuestro entorno nos sensibiliza y nos recuerda la alegría y la responsabilidad de ser una parte de este planeta.

CAME

CAME

Obra: “SOLIPSISMO”

La obra de Came habla sobre la dualidad del espacio, tiempo, entre lo terrenal y lo espiritual que existen a través de la vida a través de sus composiciones plasma su concepción del mundo lo que le permite crear una atmosfera colorida y estética representando la energía a través de su imaginario.

Acerca del Artista: Came trabaja desde 2008 de manera conjunta con el colectivo de arte y diseño Proyecto CV Creatividad +Visión dedicado a realizar exposiciones de arte contemporáneo, escultura, pintura, fotografía, fomentando la creación, producción e investigación artística contemporánea.

Carla Arouesty

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Obra: “MÉXICO DE MIS AMORES, MÉXICO DE MIS DOLORES”

Yo creo que existe un mundo lateral que no podemos ver, donde se encuentran seres especiales que se quieren asomar a este mundo para recordarnos que hay esperanza, el amor es los mueve y por alguna razón que no necesito cuestionar solo aceptar nacen a través de mi alma y cuerpo. Pinto ángeles no por cuestión de religión es porque pienso que todos tenemos alas para volar y la aureola es la luz que llevamos dentro. Yo amo los colores y me gusta jugar a hacer arte, porque para mí es muy divertido ver tanto color y vida pasar a través mío.

Acerca del Artista: Es una artista que tuvo que pasar por gran parte del mundo su obra para poder llegar a su país, ha expuesto en Dubai, Carrousel de Louvre, dentro de la Torre Eiffel, en la casa Batlló de Gaudí París, Nueva York, Buenos Aires, Venecia, Roma, África, Barcelona, Escocia, Turquía, Brasil, Ciudad de México, Miami, Madrid entre otros tantos lugares.

Carlos Fuentes

Obra: “K-Oz”

“Raza de Bronce”

Acerca del Artista: Carlos Fuentes Montañés nació en la ciudad de México en 1958. Desde que gatea, escarba y pinta, desde siempre y por donde quiera. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, con Aceves Navarro, Nishizawa y Begoña Zorrilla. Más tarde se desempeñó como docente del Instituto Cumbres, en artes plásticas e historia universal del arte. Por muchos años trabajó con Club Méditerranée, como creativo en jefe de escenografía para las instalaciones del club por todo el mundo, desde los mexicanos de Cancún y Playa Blanca, Sonora y Huatulco, hasta el Caribe en Bahamas y el norte de África en, Korba, Djerba la Douce y Casa Blanca, en arreglo con la naturaleza y con la deuda que con ella tiene pendiente, de amistad, gratitud y respeto. Desde los 18 años de edad, participa en exposiciones individuales y colectivas. Dice que el premio más grande que ha recibido como pintor, fue en una de sus primeras exposiciones, cuando un ladrón de arte, navaja en mano cortó la obra del bastidor y la separó para siempre del artista. Conmemora que nada le ha dado más satisfacción en su carrera, como el saber que su pintura desnuda tanta pasión. Actualmente vive en Tlalpan, al sur de la ciudad de México, pintando y construyendo piezas escultóricas únicas, curando burbujas como el láudano, atrayendo siempre, la felicidad duradera y pura.

Claudio Cué Cantú

Obra: “Esencia de Vida… Muerte”

Magnífica experiencia la de intervenir un cráneo gigante, monumental y mexicano. Mexicráneos da color en él con el aire, la tierra. El mar y el fuego; los cuatro elementos y el ave. El cuervo. Los cuervos son ávidos practicantes del disentimiento, la intuición, el castigo y el agradecimiento.

Acerca del Artista: Claudio Cué Cantú, nacido en la ciudad de México (1962), después de concluir su educación Media Superior continúa de manera más formal el gusto por la pintura que manifestó desde niño; así en: 1982-1994 Colabora e inicia el taller de grabado en San Ángel Inn con los artistas: Pablo Ruíz Lombardo y Marina Viancini. 1985- Se integra al taller de arte. La Ex Hacienda el Chorrillo, Taxco Guerrero, con los maestros Mario Rangely Roger Von Gunten y en ese mismo año participa en una exposición colectiva de pintura en la casa de la Cultura del Estado de México. 1985-1987 Participa activamente en un taller de grabado y pintura de colegas artistas en Zacualpan, Morelos. A raíz del trabajo realizado es invitado a colaborar en el arte de películas y cortos con cineastas y productores como: Carlos Bolado, Luis Velez, Charly Gore, Guillermo Granillo, Epigmenio Ibarra, Chuy Reyes, Moisés Urquidi y Carlos Hidalgo, entre otros. Así, comienza su trabajo creativo en el Arte de cine: 1993-1998 Argos Televisión. 1996-2011 Visión Films. Director de Arte 2005-2014 Corazón Films Participó en el Arte de películas como: “Tlatelolco” del Dir. Carlos Bolado; “Propiedad Ajena” del Dir. Luis Vélez; “Sexo pudor y otras perdiciones” del Dir. Charly Gore, así como en “Los siete magníficos” del Dir. Guillermo Granillo, entre otras. Colaboró también en el de Arte, de novelas como: “Nada personal” y en series de televisión como: “Bienes Raíces” y “Pacientes”. Si bien, siempre tuvo pasión por pintar el tiempo que le requerían sus compromisos con el cine o la televisión no le permitían hacerlo como necesitaba y es hasta 2012, que retoma la pintura e inicia una nueva etapa creativa en su taller, participando en distintas exposiciones: 2015- Estación Coyoacán. Exposición Colectiva. 2015- Participación en Homenaje a Philipe Bragar. Salón de los aztecas. 2016- Exposición colectiva en la Galería Studio 45. Centro Histórico 2016- Galería Villas san Jacinto. San Ángel Inn. 2017 Exposición en la Galería Stela Magni 2017- Exposición “Sangre de mi Sangre”, Museo Gueliu de Cuernavaca Morelos. Agosto. A continuación una breve semblanza del Director de Fundición de la Esmeralda: Cluadio Cué es un pintor mexicano (1962), que a través de su contacto con diversos Talleres de Arte y con maestros amigos; pintores, escultores, músicos, cineastas, fotógrafos y por su goce por el arte en sus distintas expresiones; desarrolla a lo largo de su vida, un estilo muy personal, que sin más, muestra su sentir más profundo en ésta lucha cotidiana ante “ la apabullante realidad que vivimos” y logra, a través del manejo del color y la forma tan particulares, darnos un poco de eso que “alimenta su alma”. Su pintura como menciona “es libre”, expresa en ese devenir, sus vivencias, su realidad en este nuestro México tan dolido y tan rico en manifestaciones artísticas. La pintura de Claudio Cué es un oasis para los sentidos del espectador, en un mundo donde el arte se reduce a un objeto que se procesa por medio de la razón y es modelado por la hiperinformación de las redes…sinceramente es un remanso en estos ríos salvajes de la intelectualidad, encontrar una pintura como la de Claudio, una pintura sin pretensión intelectual.

Cocolvú

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Obra: “COCO”

La obra del cráneo titulada “Coco” fue hecha para Disney Pixar y es alusiva a la película que tiene el mismo nombre. En esta pieza se contempla el mundo de los vivos de un lado y el mundo de los muertos del otro y existe una conexión o puente entre los dos que se abre la noche del día de muertos. Disney me dio un brief o información general para bocetar mi idea y aprobó mi propuesta con varios ajustes y cambios en paleta de colores quedando al final unos tonos monocromáticos azul grisáceos con toques de pintura dorada.

Acerca del Artista: De las cosas que “Cocolvú” más disfruta, es generar sensaciones positivas a través de su trabajo y esto lo hace, esencialmente, con el manejo del color combinado con una buena dosis de humor.

Cristina Parra

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Obra: “Nahui Ollin”

Acerca del Artista: La pasión por el arte comenzó en la infancia, estudié la Licenciatura en Publicidad (C.E.C.C.). Dibujo, especialidad en figura humana, escultura (CASA LAMM) en donde participé en diversas exposiciones colectivas. Siempre me ha gustado crear, imaginar, destruir para construir, hacer posible algo que no existe. Transmitir conceptos y observaciones de vida, mezclarlo con fantasía y entrelazarlo con la realidad a comunicar. Actualmente juego con la figura humana, la realidad, la síntesis y la fantasía comunicando un concepto en donde el espectador puede disfrutar de un diálogo interno.

Diego Rodríguez

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Obra: “ÁRBOL”

Inspirado en conceptos tradicionales mexicanos se retoma la imagen de un gran árbol como símbolo del ciclo inevitable de la vida y la muerte entendidos como un todo que se retroalimenta incansable. La actividad y presencia humana racional está representada por recuadros geométricos en colores sólidos que contrastan con la textura acuosa de los fondos

Acerca del Artista: Nació en la Ciudad de México en 1967, de formación prácticamente autodidacta a pesar de haber transcurrido por la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) y la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado (La Esmeralda). Ha expuesto individualmente 18 veces en la Cd. de México así como en Norte América, Sudamérica y Europa.

Doner Wan

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Obra: “URUKAME”

Es el nombre que los huicholes de México le dan a una piedra en el centro de un culto asociada a la muerte. Forman parte de un ciclo vital el cual da un sentido a la muerte y asegura la perpetuación de la vida humana. El arte de esta propuesta gráfica está directamente relacionado con esta cosmovisión huichol acerca de los ciclos entre la vida y la muerte de ahí que la integración de formas fluidas y orgánicas representan esos ciclos esto es también representado a partir de la aplicación de los colores que como se notan van de los cálidos a los fríos. En el centro de los ojos de este cráneo es representado de forma gráfica el Urukame que es una piedra verde.

Acerca del Artista: Diseñador gráfico y artista urbano que experimenta con la integración de las formas orgánicas y naturales para fusionarlas con su visión de la cultura prehispánica que caracteriza su arte. La visión artística de Doner Wan, ha viajado dentro y fuera del territorio mexica, no sólo representa la naturaleza sino que también permite adentrarse en un viaje de la evolución que representa el arte.

Einar Oux

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Obra: “HOJALATA”

Mi pieza está inspirada en las artesanías oaxaqueñas hechas en hojalata y en los milagritos de latón, ambas manifestaciones culturales de la riqueza mexicana mestiza y sincrética.

Acerca del Artista: Es un artista plástico egresado de La Esmeralda, especializado en dibujo e ilustración. Ha expuesto en diversos recintos culturales tanto en México como en el extranjero. También es escritor y ha sido colaborador en varios medios impresos y digitales

Fernandí

Obra: “Mujer Maravillosa (Mahuizticcihuatl)”

Con la frente en alto, te descubres mujer libre ante el universo. En tu mirada se cobija la ternura y los sueños de amor. Mujer que corres directo hacia tu destino, al encuentro de tu voz que exige la verdad. Dadora de vida, creación que crea. Tú, mi hija, mi madre, mi amante, mi muerte.

Acerca del artista: Diana Fernández Pinta su vida con el trazo del pincel, la actitud que derrama en colores los instantes que se desvanecen apenas tocan el lienzo. Impresión y actitud de una mujer maravillosa.

Miguel Afif Comprime en una imagen, el amor, la violencia, el acierto y el error. Consecuencia de un disparo que brilla en la mente, que impacta colorido en el lienzo, justo antes del olvido.

Gabriel Trejo

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Obra: “SUEÑO DE COLOR”

Esta obra es un tributo al señor Pedro Linares; que la magia de los alebrijes lo acompañen en un sueño de color, como aquel que un día lo hizo despertar y volverse eterno en nuestro recuerdo y admiración. El color que viste a la muerte nos hace recordar que la vida es como un sueño y tarde o temprano debemos despertar.

Acerca del Artista: Soy Gabriel Guerra y nací para ser artesano, llevo en mi piel los colores de un México tradicional lleno de historia, de cultura y matices que dan vida a cada una de mis piezas.

Gaby Villanueva

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Obra: “LA MUERTE A TRAVÉS DEL VITRAL”

Mi obra representa la muerte detrás del vitral, muestra la dualidad entre la tristeza y la alegría, los colores y festejos que vivimos en México cada año para recordar a nuestros seres queridos.

Acerca del Artista: Artista plástica mexicana, presenta una propuesta distinta a lo común. Sus obras son una mezcla de texturas, colores, formas y técnicas mixtas, que la han llevado a compartir su talento en México y el extranjero.

Gonzalo Correa

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Obra: “DON JUAN TENORIO”

Acerca del Artista: Nació el 10 de septiembre de 1934 en Tacubaya. Gonzalo estudió hasta la preparatoria en la escuela Militar México. Durante sus primeros años soñó con ser torero pero quiso ser estrella y estudio la carrera de actuación, en el Instituto Cinematográfico dependiente de la A.N.D.A. En Bellas Artes estudió dirección teatral. Su abuelo lo llevó por primera vez al teatro a los 7 años y la primer obra que vió fue “Don Juan Tenorio” de José Zorrilla y le impresiono tanto que se enamoró de ella por el resto de su vida. Trabajó en teatro con grandes figuras como Manolo Fábregas, Mauricio Garcés, Oscar Ortiz de Pinedo, Fernando Soler Enrique Alonso “El Cachirulo”, Eugenio Derbez y muchas estrellas más. Ha ganado premios por la obra clásica de Don Juan Tenorio, por su carrera de actor y maestro, pues fue tutor de la materia de actuación por 28 años de las escuelas preparatorias dependientes de la UNAM. En televisión trabajó 6 años en Dr. Cándido Pérez donde también ayudo a dirigir, en otro de los programas donde participó fue en Derbez en Cuando. Ha ganado innumerables premios como El Calendario Azteca del AMPRYT, La luminaria de oro, El micrófono de oro, El Arlequín Teatral. Su hobby es pintar óleo y ha pintado más de 70 cuadros en su vida. Aprendió a pintar con pintura acrílica con el cráneo monumental que fue expuesto en paseo de la Reforma en Mexicráneos 2017 junto con otros artistas lo que le ha dado una gran satisfacción…cuando fui invitado a participar en Mexicráneos pensé que relación tengo con el día de muertos, los cráneos y solo vino a mi mente “Don Juan Tenorio, decidí plasmar escenas de cada uno de los actos que me dio vida durante 55 años y por eso al final terminé la obra con la última frase de Don Juan…¡Clemente Dios Gloria a ti!

Héctor Vélez

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Obra: “Toda una Vida”

Esta pieza nace de los fragmentos de una vida que podría ser la mía. De mis recuerdos y de los recuerdos de otros que se van tejiendo para formar un reflejo de vida. La vida del personaje desde la infancia hasta el momento de su muerte dentro de una habitación de luz tenue recreada por una maqueta a la que se le tiene que ver por el iris de un ojo que además de ser ventana, es testigo.

Acerca del Artista: Fui afortunado en haber crecido durante los 60s y 70s en la zona de San Ángel de la Ciudad de México. Esta zona que fue hogar de Diego Rivera, Frida Kahlo y Juan O´Gorman. La casa-estudio de Diego y Frida, está ubicada a unas cuantas cuadras de la que fue mi casa de infancia. Todos los días, durante años, pasaba caminando frente al estudio y desde que me acuerdo estuve enamorado del espacio. La mezcla de la arquitectura funcionalista de Juan O´Gorman y los enormes monos de papel mache recargados contra las ventanas, hicieron que me enamorara del arte y de la arquitectura. Esta colonia y sus imágenes me han inspirado continuamente y están al centro de muchas de mis exploraciones artísticas. Recibí mi título de arquitectura de la Universidad Intercontinental y estudié arquitectura de paisaje en la UNAM e historia del arte en la escuela de Bellas Artes de Querétaro. Mi amor por el arte y la arquitectura, me llevaron a trabajar en la industria cinematográfica, trabajando cómo director de arte en el departamento de escenografía. Eso me llevó a cambiar mi residencia a Los Ángeles, California, donde continué trabajando en diversos proyectos de cine, comerciales y videos musicales. Los últimos años la pintura ha sido mi trabajo principal. Vivir en Los Ángeles le ha dado una perspectiva diferente a mi trabajo. La cultura e imágenes mexicanas están siempre presentes en mi obra, pero otras culturas han enriquecido mi imaginación y la manera en que pinto para contar historias.

Ignacio Villanueva

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Obra: “XOLOITZCUINTLE, PERRO SAGRADO DE LOS AZTECAS”

El significado de las imágenes plasmadas en el Mexicráneo tratan sobre la leyenda prehispánica de que quienes morían eran enterrados con un perro de la raza Xoloitzcuintle. La finalidad de éste, era ayudarlos a cruzar el río Chiconahuapan y de este modo los difuntos realizaban un viaje por el inframundo. El Mexicráneo está hecho 100% de chaquira de cristal con manos artesanas de huicholes originarios de la sierra norte de Jalisco.

Acerca del Artista: Nació en la Ciudad de México en agosto de 1971, estudió arte, diseño, y escultura en West Virginia, USA. En su arte plasma su infinito amor por los animales y por resguardar el talento y la cultura huichol.

Izaskun Fernández

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Obra: “CORRE Y SE VA CORRIENDO”

Representa una de las tradiciones mexicanas que no tiene edad, sexo, raza o religión: el juego de la Lotería. En esta obra, los personajes de las cartas cobran vida contándonos historias que nos traerán recuerdos y harán volar nuestra imaginación.

Acerca del Artista: Artista mexicana, Izaskun se distingue por tener un estilo surrealista que apunta a la vida, a lo absurdo, a las interconexiones entre personajes y a la búsqueda constante del tiempo-espacio.

Jaime Lavín

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Obra: “LA PUERTA DE LA CONCIENCIA”

Participar en MEXICRANEOS, Le ha permitido a Jaime Lavin Zavala, transmitir mediante su obra la experiencia de adentrarse a la conciencia del espectador y descubrir que lo más importante dentro del ser es el ser mismo. Al abrir las puertas que la conciencia nos invita a descubrir, el espectador encuentra la imagen de sí mismo y la obra nos invita inmediatamente a la reflexión personal.

Acerca del Artista: Jaime Lavin Zavala, nace en la Ciudad de México en 1971, con una fuerte inclinación hacia la creatividad, su pasión es la Arquitectura, la Decoración y la Escultura, su vida está dedicada a estas tres disciplinas en las que fluye con gran placer.

Jorge Mahdez

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Obra: “SOBRE MIS ORÍGENES”

Las imágenes pintadas sobre el cráneo mantienen una lógica autorreferencial. Totalmente subjetiva. Como el nombre de la pieza lo dice, “Sobre mis orígenes” trata de representar lo que considero como orígenes en mi vida. El cráneo intervenido guarda en sí, tres panoramas distintos, tres divisiones temporales. En su lado derecho aparecen imágenes de un imaginario correspondiente a Oaxaca, lugar de donde provenía mi padre y del cual no tengo ningún criterio exacto para la selección de motivos, solamente lo que me gusta llegar a pensar de él; el lado izquierdo lleva imágenes que hacen alusión a mi madre y al lugar en que vivía, Pachuca; motivos más presentes por estar directamente en relación con ella. Por otro lado, al frente del cráneo se encuentran pintados motivos que llegué a encontrar representativos y continuos en el lapso de mi vida en la Ciudad de México. Imágenes vinculadas aparentemente sin secuencia y en las cuales se evocan aspectos biográficos propios que invitan a reflexionar sobre todo acerca de que instantes vueltos imágenes determinan el origen de cada una de las personas.

Acerca del Artista: Es originario de la Ciudad de México. Actualmente estudia la licenciatura en Artes plásticas en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México. Su proceso plástico se mantiene profundamente influido por su entorno. Más que encontrar definición en un medio en particular, muchos de sus proyectos están ligados a través de la plataforma de la aceleración, donde pasado y presente coexisten. Fundamentando que su quehacer artístico proyecta sus acciones dependiendo de su pasado. Esto le ha permitido indagaciones que le han llevado a sus propios orígenes y a mantener colaboraciones con su familia y amigos en una forma de investigación muy personal, que resulta en un constante proceso de aprendizaje: sobre los materiales, el paisaje, la gente y sobre sí mismo.

José Esteban Martínez

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Obra: “HOMENAJE A MIS SEIS MINUTOS CON LA MUERTE”

Una cosa es que te hablen de la muerte, la otra es conocerla, estar con ella casi seis minutos en donde lo único que recuerdo cuando mi corazón respondió a la reanimación es un espacio negro y la cara angustiada de mi esposa y mi nieto, escuchar los llantos, gritos de los que estaban afuera de la habitación con la idea que ya no estaba con ellos los que me querían Preguntar que paso y con la frialdad de la respuesta del doctor en un simple “te moriste” hace que te cambie la vida, entiendas que vives solo el hoy, el mañana ya no existe.

Acerca del Artista: Reconocido artista plástico del estado de Zacatecas. Es diseñador gráfico por la Universidad Nacional Autónoma de México, cuenta con una maestría en Tecnología Educativa y otra en Comunicación Educativa.

José Guillén

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Obra: “MANDALA”

Los mándalas y los brillantes colores unen dos culturas la mexicana con la hindú. El universo en los ojos nos transmite que Somos del todo y vamos al todo.

Acerca del Artista: Soy mexicano, diseñador gráfico y artista de corazón, Lo que me inspira es el color, las formas, las texturas y otras culturas, el arte para mi está en todas partes, busco el equilibrio en cada pieza.

Julio César Ávalos

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Obra: “MI LINDO MICHOACAN”

Es el nombre de la obra realizada por el artista michoacano en el cual mezcla elementos esenciales de su bello estado como lo es la noche de muertos y la mariposa monarca, todo esto mezclado y su toque deja de esto una excelente obra.

Acerca del Artista: Alias “Chous”, es un diseñador de 30 años, originario y residente de Morelia, Michoacán, Diseñador gráfico de profesión y artista urbano por naturaleza, Chous encontró en los gráficos una manera de expresar lo que siente y al mismo tiempo una válvula de escape para sus problemas. Director del área de arte y diseño en la FUTURA proyecto que apoya el arte urbano y que gracias a este proyecto llegó la invitación de Mexicráneos para hacer posible esta pieza michoacana.

Lao Gabrielli

Obra: “Mexicolor”

Mexicolor, 2017. Es una expresión abstracta que toma los colores vivos y vibrantes de la cultura mexicana, plasmados en el cráneo, icono también importante de esta cultura, representando una conjunción entre el valor y la evocación de la muerte a través de la calavera y la expresión de la vida a través del color.

Acerca del Artista: Lao Gabrielli (Buenos Aires, Argentina, 1971). Artista visual y diseñadora gráfica, vive en la Ciudad de México desde hace 9 años. Estudió Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires y cursó un año en la carrera de arquitectura en la misma Universidad. Realizó estudios de restauración en el taller de Mónica Tezanos Pinto y sus estudios artísticos en el taller del Maestro Guillermo Roux en la misma ciudad. Participó en la ciudad de Nueva York en los seminarios de la Maestra Anna Rank y del Maestro del Constructivismo Julio Alpuy como así también seminarios de Musei e Patrimonio con la Dra. en Arte y Museografía Mercedes Auteri. Lao Gabrielli desde su venida a México ha tenido un cambio trascendental en su obra hacia el color vivo y la abstracción geométrica, generando un juego minimalista de tales geometrías que plantea novedosos y ágiles cinetismos. Transita del plano luminoso y colorido a una superficie dinámica que se mueve tanto en la realidad física como en la realidad óptica. El uso de espejos semiocultos en el fondo de las piezas, propician la iluminación y aceleran las líneas móviles a la vez que amplían a dos o más dimensiones el objeto pictórico. La obra trasciende la abstracción geométrica para crear desplazamientos en direcciones contrarias o contiguas generando secuencias visuales, juego óptico que incorpora al espectador al observar y trasladarse de un extremo al otro de la obra y lo hace partícipe de la misma.

Le Yad

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Obra: “CON LA MÚSICA A OTRA PARTE”

“Somos transición vibrando entre extremos que en realidad nunca tocamos” “Si hemos de buscar la homeóstasis, que sea en armonía y bajo la lupa que cada cual quiera tomar” Hay más de una manera de ver las cosas; por ello en la base es de dos tonos: Verde: Por la creencia de que somos espíritu que renace. Ocre: Por la creencia de que somos materia en transformación.

Acerca del Artista: Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, Le Yad pernocta de lo tradicional a lo digital entre discursos visuales: diseño gráfico, plástica e ilustración. Sus obras han sido seleccionado por el Museo Mexicano del Diseño (“A la muerte con una sonrisa”-2009), el Catálogo de Ilustraciones Infantiles y Juveniles de CONACULTA (2011), XXIV Concurso de cartel “Invitemos a Leer” –CONACULTA (2012), el Salón de Ilustración IMAGENPALABRA-Colombia (2013), Selección "1er convocatoria Internacional de Ilustraciones" -Madrid, España (2013), FIG 04-Congreso Internacional de Ilustración (Bogotá, Colombia (2014), Selección MINIPRINT Paraná, Argentina (2014); fue 1er lugar en el XXVI Catálogo de Ilustradores de Publicaciones Infantiles y Juveniles-FILIJ-2016. Participó en el Ball Parade-NFL2016 y Ball Parade-NBA2017. Es asociada fundadora y secretaria de la Asociación Mexicana de Ilustradores- AMDI. Gusta de participar en proyectos colectivos de propuesta independiente.

Leo Partida

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Obra: “NUNCA DEJAREMOS DE VOLAR”

Dos colibrís, uno vivo y otro en esqueleto. El colibrí para mí es un ave que demuestra una vida colorida en cada instante, por lo mismo después de la muerte seguirá volando.

Acerca del Artista: Seleccionado por la Sociedad Nacional de las Bellas Artes de París para exponer en el Carrousel du Louvre. Ha expuesto en México, Nueva York, Miami, São Paulo, Río de Janeiro.

Lisa Curn

lisa curn

Obra: “REY MIDAS”

Este proyecto es polisémico, quiere decir que tiene muchos significados, el principal es la metáfora que hay detrás de la historia del Rey midas la cual nos deja la lección de que la ambición a la riqueza nos puede traer consecuencias negativas en muchos aspectos, las rosas negras simbolizan el amor místico y el oro simboliza lo incorruptible. Detrás del cráneo hice dibujos inspirados en el arte rupestre basados en la tauromaquia como un modo de vida. Encontrarán el símbolo de la maternidad, el amor, la lucha entre la vida representada por el torero y la muerte representada por el toro, el compañerismo, el caballo como fiel amigo del hombre, entre otras cosas pero las más importante poniendo a Dios sobre todo, representado en un Cristo sobre una plaza de toros la cual puede interpretarse como el templo donde hay vida y muerte o sea la plaza de nuestra vida, la leyenda “Oro de México” indicando que la fiesta brava es uno de los grandes tesoros culturales en nuestro país. Por último encontrarás la frase “Dame un beso y te harás de oro” queriendo hacer notar que el verdadero tesoro está dentro de nosotros. Espero les guste la obra. ¡Va por el arte de vivir!

Acerca del Artista: Sus primeros lienzos fueron paredes de la casa de su infancia. Descubrió muy temprano sus habilidades para pintar, pero fue hasta años más tarde cuando las tomó en serio. Las Influencias más importantes las reconoce en el arte taurino de Carlos Ruano Llopis, de Rafael Sánchez de Icaza y de Francisco Flores, así como de los muralistas Diego Rivera y Davis Alfaro Siqueiros. Su técnica preferida es el acrílico.

Lola Argemí

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Obra: “SERENAS”

Es una imagen compuesta de varias figuras femeninas disfrutando de un lugar cálido y sumergidas en sus pensamientos. La naturaleza y la mujer juntas sin nada más que les inquiete o les preocupe.

Acerca del Artista: Diseñadora gráfica, ilustradora y pintora nacida en San Nicolás de los Garza en Monterrey, N.L. recuerda estar en “la pintada” desde los 5 años… eso es lo que recuerda… y decidió estudiar diseño gráfico sólo porque le gustaba el constructivismo ruso (le sigue gustando).

Majo Alonso

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Obra: “RESILIENCIA”

El cráneo. Símbolo de la mexicanidad que nos arropa mágicamente y nos une simplemente por respirar el mismo aire, percibir los mismos olores, sentir el mismo viento, identificar los mismos colores, solidariamente ante la adversidad y colectivamente ante la oportunidad y la alegría de reconocernos como hermanos luchando para ayudar a los demás y ayudarnos a nosotros mismos.

Acerca del Artista: Mari Jose Alonso nació en La Ciudad de México, desde muy pequeña vio a su padre dedicado a la Ingeniería y Arquitectura, lo que provocó su gusto por las artes. Desde 1984 cuando inició la Licenciatura de Diseño Gráfico, trabajó en La industria Textil, donde desarrolló su intuición por las combinaciones de color y la experimentación de diferentes técnicas.

Mareo Flores

mareoflores

Obra: “ENDEMICRÁNEO”

El Endemicráneo es un homenaje a los animales endémicos de México (que solo se encuentran aquí), como el ajolote, la vaquita marina, el xoloescuincle. La mayoría están amenazados.

Acerca del Artista: Mario Flores (mareoflores) es un ilustrador independiente de la CDMX. Ha desarrollado campañas como Barrios de Cerveza Indio, publicado libros como Un Libro de Memes y es locutor.

Mariana Vargas

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Obra: “TEJIDOS DE LA MUERTE”

La obra está inspirada en los tejidos y patrones de los distintos textiles hechos por artesanos oaxaqueños. El diseño es una mezcla de estilos entre lo tradicional y lo moderno, las flores de la corona están basadas en los trajes bordados típicos del istmo, así como la gama de colores contrastantes que se usan, por otro lado las líneas dan un toque de modernidad sin alejarse de las plecas textiles mexicanas.

Acerca del Artista: Diseñadora gráfica y directora de arte, estudió en La Universidad autónoma metropolitana y en la academia de arte Saint Martins en Londres, Inglaterra. Su estilo visual está inspirado en los textiles y artesanías mexicanas, los colores y las formas.

Mónica Alexander

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Obra: “EN HONOR A LA MUJER INDIGENA EN MÉXICO”

El Día de los Muertos es una celebración indígena y quería celebrar su historia. Las mujeres indígenas son el grupo más oprimido del país. Pero por ellas tenemos la cultura, el arte, la comida, y las tradiciones Mexicanas. Ellas son el corazón de México y las quería representar en mi obra.

Acerca del Artista: Mónica Alexander es una ilustradora y pintora. Su arte se inspira en lo feminista y la naturaleza.

Mother Monkey

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Obra: “MONKEY MICTLAN”

Es una pieza que muestra el paso de la vida a la muerte de forma divertida y literal. La pieza muestra un cráneo bien definido y por el frente y en la parte posterior todo un viaje de vida materializados con personajes a color.

Acerca del Artista: Director de arte e ilustrador, Amante de los personajes inexistentes y con humor. Estudio en la FAD de la UNAM, actualmente realiza proyectos vinculados al arte.

Nathasa Kroupensky

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Obra: “MÉXICO VOLVIENDO A FLORECER”

Una obra en homenaje a las víctimas del terremoto del 19 de septiembre 2017 y a la unión que se creó en nuestra ciudad.

Acerca del Artista: Natasha Kroupensky, Artista. Graduada con honores de la carrera de escultura en MASSART, Boston. Busca siempre estar fusionando el arte prehispánico con el arte contemporáneo, manteniendo las raíces Mexicanas vivas.

Nicho Hinojosa

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Obra: “YO ANIMAL, YO MUERTE”

Acerca del Artista: Decir Nicho Hinojosa es para muchos sinónimo de bohemias, guitarra y canciones. Pero este cantautor regiomontano no es solo eso, hay una faceta que no es de todos conocida. Desde 1993, Nicho Hinojosa se ha desarrollado en el arte pictórico. Empezó de una manera didáctica que ha ido evolucionando con los años. Con la técnica de puntillismo, Nicho Hinojosa ha logrado transmitir en el lienzo un mundo de emociones, sensaciones, sentimientos y fantasía, creando en sus lienzos sus propios personajes. Ha realizado 3 exposiciones, "El punto libre", en la ciudad de Monterrey, 1 en San Pedro, Garza García y 2 en McAllen, Texas. También participó en el colectivo Mexicráneos, plasmando en un cráneo monumental lo que él tituló como "Yo Muerte, Yo Animal", intentando con esta obra concientizar a la humanidad de preservar la vida animal y hacer pensar que el siguiente en peligro de extinción es el propio ser humano.

Cabe mencionar que dos de sus cuadros se han usado como portada de los dos libros que hasta hoy lleva escritos en su faceta como escritor. Otros tantos están expuestos en restaurantes y bares de las ciudades de Monterrey, Cd. Juárez, Querétaro y CdMx. Un artista, sin duda, muy completo que ha logrado que sus aficiones sobrepasen las fronteras de un pasatiempo, convirtiendo éstos en una pasión.

Osmani Contreras

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Obra: “GUERRERO JAGUAR”

Es la abstracción del máximo emblema animal en México quise hacer un homenaje a la muerte con un animal que es el más o de los más representativos de México un jaguar. Pero quise hacerlo en repeticiones sobre un cráneo humano. Para hacer un homenaje al hecho de que morir no tiene fin.

Acerca del Artista: No fui a la escuela de arte. Aprendí a la buena, en el camino. Lo que sí es que estudié mercadotecnia y después hice un master en dirección de arte. Nacido en México, orgullosamente chilango y actualmente soy Director Creativo y Artista Audiovisual con la suerte de trabajar para marcas increíbles. Loco enamorado de la vida, increíblemente afortunado.

Pablo Castillo

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Obra: “TRIPULANTE”

La obra habla de la profundidad del ser, del cuerpo que habitamos y aquello que existe dentro que nos habita a nosotros controlando nuestra bella armadura.

Acerca del Artista: Pintor y escultor mexicano, estudió en la Academia de San Carlos.

Padme

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Obra: “FLORCLOR LA MÍA”

Está inspirada en el folklore de México, sus flores, colores, sabores, artesanías y tradiciones.

Acerca del Artista: Nace en Puebla de Los Ángeles, atraída siempre por la belleza de las cosas y el arte en todas sus expresiones, se sumerge en la danza, la música, la fotografía y la pintura, desempeñándose como una artista polifacética amante de la magia.

Ricardo Nettel

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Obra: “NADA ETERNO”

Representa la base principal del concepto de la muerte, desde las personas que se ven reflejadas en ella, hasta las estrellas que en la noche la iluminan, van a tener un último día; así como tuvieron un primero. La reinterpretación del Hikuri en los ojos y la boca, representada a partir de una abstracción de la flor del peyote que, para los huicholes, es el ojo De Dios, observará, es aquella hipnotizará y devorará hasta el último residuo de este universo.

Acerca del Artista: Ricardo nació en la Ciudad de México. Sus experiencias tempranas le ayudaron a desarrollar una íntima y compleja manera de interpretar sus alrededores. Sus técnicas varían dependiendo del concepto del que pretende sustraer y abstraer la realidad. Su trabajo es un continuo experimento, siempre buscando nuevas técnicas. Hoy en día, Ricardo pasa la mayoría de su tiempo creando obras arquitectónicas y artísticas en su hogar y estudio intentando encontrar significados y reinterpretar su contexto.

Román Zurita

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Obra: “LOS BORRACHITOS”

Mi pieza habla del gusto por el alcohol y la fiesta que libera al ser consumido. Un pequeño cuento con personajes ya fallecidos que se llenan de júbilo en su camino mortuorio.

Acerca del Artista: Román Zurita estudia la carrera en Artes Visuales en la UNAM. Se titula por medio de un Diplomado en Ilustración y desde entonces se dedica a esta bella labor: narrar historias.

Sofía Castellanos

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Obra: “SOMOS INFINITOS”

Celebremos Somos más brillantes y coloridos de lo que fuimos en vida Ahora lo que vive es nuestro recuerdo

Acerca del Artista: Sofía se ha dedicado a plasmar por medio de su arte un mundo de fantasías posibles, personajes y paisajes oníricos donde la magia triunfa frente a las paradojas de nuestra realidad.

Tomer

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Obra: “MISTISISMO”

Mi obra está inspirada en la cultura maya y en lo místico que representaba cada cosa para ellos. Como el colibrí que era considerado protector de los guerreros y mensajero de los dioses. Para los mayas la muerte significaba una transformación una oportunidad para renacer ellos creían en la vida después de la muerte. La vida era un tiempo sin fin. El “hunab ku” una deidad que no podía figurarse por ser incorpóreo y Dios único. El jaguar guarda un estrecho vínculo con las deidades asociadas al inframundo y con las diversas puertas de entrada a este sector del universo.

Acerca del Artista: Artista plástico y urbano nacido en Huixquilucan Estado de México. Comenzó su andar por el arte influenciado por el grafiti, en el año 2003, pero fue hasta el año 2010 cuando realmente se dio cuenta que podía llevar ms allá su trabajo. Artista autodidacta, con intervenciones de Bacalar, Holbox, Playa del Carmen, San Miguel de Allende, Valle de bravo, Pachuca, Guadalajara, Veracruz, CDMX y recientemente en Brasil donde tuvo la oportunidad de pintar en la ciudad de Recife y Pernambuco, ha participado en varios festivales como el Meeting of style en el año 2012, en el festival amor al arte entre otros, exposición colectiva en Casino Español y en Metepec. En el año 2017 participo con Galería el Ahuehuete en la Colonia Roma y con Locos por el Arte para la NBA en México en el año 2017. Actualmente sigue documentándose y alimentándose de arte.